MB : Je souhaitais aborder avec toi le sujet de la collaboration entre artiste et marque et, plus précisément, la notion de contrainte dans l’art… Lorsque je t’ai demandé de créer une installation immersive accueillant du public alors que ton travail, à l’époque, était majoritairement destiné au digital, quelle a été ta toute première réaction ?
QD : C’était une vraie opportunité de porter mes créations digitales dans un univers physique et réel. De briser la barrière de l’écran et d’immerger le public dans mon univers. Cela m’a permis de pousser mes idées encore plus loin.
MB : Tu as dû faire face à pas mal de contraintes, notamment le lieu, en travaux, que tu n’as donc pu visiter au commencement de ton processus créatif, mais aussi des contraintes techniques, budgétaires… Sous quelle contrainte a-t-il été le plus compliqué de travailler ?
QD : Un des aspects les plus importants de mon travail est de faire voyager l’audience. Que ce soit de façon émotionnelle ou sensorielle, j’essaye d’emmener les personnes dans un coin de leur imaginaire qui est totalement différent de l’espace physique dans lequel elles se trouvent. La contrainte dans le cadre de la Red Galleria était d’arriver à ce que le public se détache un instant du lieu, pour s’immerger dans une réalité alternative, ne serait-ce que pendant cinq minutes.
MB : Tu as réalisé une expérience immersive composée de quatre univers visuels différents. Quelle a été ta méthode de travail ?
QD : J’ai voulu traduire visuellement les différentes étapes sensorielles constituant la dégustation d’un cocktail Campari. L’expérience démarre par une intro ancrée dans les racines de Campari, avec des animations de motifs architecturaux basés sur la Piazza del Duomo à Milan. L’audience se retrouve ensuite (virtuellement) les pieds dans l’eau qui représente la fraîcheur de la première gorgée… pour ensuite se retrouver dans un labyrinthe de portes et fenêtres évoquant les possibilités qui s’offrent à nous et faisant écho à la signature de la marque Unlock the Unexpected. L’expérience se termine par un voyage spatial au travers d’un ciel étoilé évoquant le climax de ce voyage sensoriel.
MB : Aujourd’hui, tu réalises des clips, des films publicitaires pour des marques, des artistes… Pour toi, les contraintes abolissent-elles toute forme d’improvisation dans le processus créatif ?
QD : Non, pour moi, les contraintes forcent l’esprit à trouver des solutions qui font naître de nouvelles idées. Elles permettent aussi d’apporter un cadre à une réflexion créative. Sans cette limite, il est plus difficile de s’arrêter sur un concept ou une idée.
MB : Peux-tu refuser un projet pour cause de contraintes trop complexes ?
QD : Uniquement si j’ai le sentiment que les contraintes étouffent la créativité et vont à l’encontre de
mes principes.
MB : Ton travail m’a immédiatement fait penser à l’univers de James Turrell. Peux-tu nous dire quels
artistes t’inspirent ?
QD : Turrell a toujours été un artiste que j’admire et j’ai eu la chance de voir quelques-unes de ses œuvres sur l’île de Naoshima au Japon. Dans la même veine, je suis en admiration devant les installations de Leandro Erlich qui manipule le réel pour le rendre ludique et déroutant. Côté photo, je suis de très près le travail de Daniel Sannwald, très porté sur la couleur, comme le mien.
MB : Quelles installations t’ont le plus marqué ?
QD : Les installations du collectif « teamLab » à Tokyo qui immergent le public dans des installations digitales, et particulièrement celle nommée Planet qui se parcourt pieds nus et joue sur nos perceptions sensorielles.
